Sin biodiversidad, un simple y virulento virús de la gripe podría matar toda la vida existente.
Es bien conocido el riesgo de las "monoculturas".
miércoles, marzo 18, 2009
¿Echamos un café?
Si hay algo que acostumbramos a hacer en todos los países del Mediterráneo, es ir a tomar café. Cualquier excusa sirve como pretexto para ello, desde reencontrase con un viejo amigo, pasando por rellenar una hora libre o hacer una pausa en el aburrido día de trabajo (véase la serie de televisión "Cámara Café"). Las conversaciones que rodean a este marronáceo brebaje pueden ser bien diferentes yendo desde las más superficiales e insignificantes hasta las más profundas reflexiones. Ya se ha rodado una película sobre este tema "Coffee and Cigarettes". Los cafés han sido lugares donde no sólo el pueblo se reunía, sino donde escritores, artistas o periodistas encontraban su inspiración e incluso centros de tertulias políticas como el Café de Foy en Paris, el Café de Levante, el Café Universal y el Imperial en Madrid o el Caffé Pedrocchi en Padua.
En Turquía muchos de esos cafés contaban con cuenta-cuentos. Cuando todavía no existía ni radio ni televisión, acudir cada noche a la Kahvehane (Casa del Café) suponía un entretenimiento fascinante para muchos. Con el derrumbe del Imperio Otomano, el café fue perdiendo adeptos que encontraron en el té un sustituto más económico. Ambas bebidas conviven hoy en día y aunque ya no prodiguen los cuenta-cuentos, esa importancia de Casa bien sea de té o de café permanece.
Y es que el café es un lugar de reunión y encuentro, de puesta al día de asuntos ya sean de amigos o de desconocidos, es la "Casa de todos" donde los habitantes del pueblo o barrio socializan y ponen en común sus ideas.
Porque lo importante no es la existencia de diferentes cafés (expresso, cortado, con leche, irlandés, bombón, turco ...) o que se combinen con un nargile, un periódico o una partida de cartas o backgammon, sino lo común a todo ello. El período de tiempo en sí mismo que supone tomarse un café, un instante de en cierta forma relajación (cosa un poco contradictoria teniendo en cuenta que es una bebida excitante) en el que las personas se vuelven más humanas y accesibles.
fotógrafa: samimi, cafetería en el zoco de Túnez (Túnez)
Hemos comentado alguna vez que el té turco (proveniente de la región del Mar Negro, especialmente de Rize) se realiza en un instrumento especial: el samovar. El samovar o semaver en turco tiene una parte inferior que funciona como hervidora y una tetera en la parte superior con el filtro para poner el té. La parte superior al llenarse con agua hirviendo y mantenerse caliente durante un tiempo, crea un concentrado de té que posteriormente se rebajará con agua caliente de la parte inferior.
Hace unos meses conseguí un samovar de la marca Bosch.¡Hasta estos instrumentos se modernizan! De materiales tradicionales como el cobre, el bronce, níquel, plata u el oro; se ha llegado al acero inoxidable y al plástico. Digamos que mi samovar eléctrico no es tan bonito, pero ocupa menos espacio y es más limpio en cierta forma.
Los orígenes del samovar son inciertos. Podrían asociarse con Rusia o incluso con Persia, pero en cualquier caso en algún lugar de Asia Central. En el siglo XVI los mongoles invadieron Rusia e introdujeron el té en esa tierra. Un siglo más tarde los rusos ricos ya lo habían adoptado como bebida habitual. Así comenzaría una cultura ligada al té que para difundirse a las clases populares necesitó del invento del samovar. A principios del siglo XVIII en la ciudad de Tula en Rusia, Fedor Lisitsyn, produjo el que parece ser fue el primer samovar. El Imperio Otomano por aquellos entonces dominaba además de la actual Turquía, los Balcanes donde posteriormente también se utilizaría el samovar. Estaba en contacto con Rusia debido a su cercanía geográfica y de ahí la posible introducción del samovar. También en los países de Oriente Próximo se utiliza el aparato. En Turquía la popularización del té se produjo realmente más tarde, en 1930, cuando los turcos perdieron la ciudad de Mocha en Yemen de donde sacaban el café. De esa manera el café se convirtió en un producto caro que fue sustituido por el té.
Los modelos antiguos seguían la estructura de la imagen siguiente, algunos incorporaban también un grifo:
Turquía es el quinto país del mundo en producción de té por detrás de China, India, Kenya y Sri Lanka; así como uno de los países donde más se consume. Sin embargo, por alguna razón en nuestro país sigue siendo complicado comprarlo. De momento mi samovar sólo ha preparado té verde de Rize, té de roca aragonés y té negro de Sri Lanka :). Espero conseguir siyah çayı (té negro) del Mar Negro pronto...
Hoy es domingo de Pascua, día de la resurrección de Cristo para los cristianos. Pero también los judíos celebran la Pascua(pésaj), para conmemorar su escape de la persecución egipcia (1250 a.C).
Mis conocimientos religiosos son escasos, así que me centraré en algo que desde que soy pequeña he hecho este día, y es comer una mona. Mona proviene de una palabra árabe para variar "munna" que significa provisión en la boca. Las monas de Pascua tradicionales son una especie de masa de harina, huevo, aceite, azúcar y levadura, a la que se le daban distintas formas y se le colocaba un huevo duro en el medio. Este año, mi madre y yo hemos hecho en casa, con los huevos teñidos con tintes traídos de Alemania. Posteriormente se desarrollarían las monas de chocolate que tan famosas son en Cataluña, donde la tradición dice que el padrino debe regalar una mona éste día; pero que también en Aragón tienen protagonismo. De hecho este año además de los miles de fluvis de chocolate, han realizado unos zapatos de chocolate blanco que la actriz Scarlett Johansson podrá lucir en sus pies.
La cuestión es ¿por qué un huevo? El huevo fue símbolo de vida para pueblos tan dispares como egipcios, persas o romanos; por eso, los cristianos lo adaptaron a este día de resurrección, de nueva vida, además los días previos de cuaresma estaba prohibido comer este alimento (prohibición que duró del siglo IX al XVIII). Parece ser que ya lo egipcios se regalaban en ocasiones especiales huevos decorados. Durante la Edad Media se comenzaron a pintar y teñir los huevos. Todavía hoy se hace.
En Alemania, la tradición es que un conejo esconda los huevos pintados en el jardín, donde los niños deben encontrarlo. Yo tuve mi propio Osterhase este año (aunque vino un poco por adelantado, pero me hizo mucha ilusión. Gracias desde aquí) y me escondió los huevos por mi casa, a falta de jardín propio :). El conejo se asocia con la fertilidad. Es comprensible que lo germanos lo utilizaran con ese sentido, puesto que se trata de un animal muy procreador. También estaba asociado con la diosa fenicia Astarté (Eastre) que a su vez tenía dedicado el mes de Abril. Véase que de aquí proviene la palabra inglesa para denominar estas fiestas, Easter.
¿En qué consiste el rico, saludable y tradicional desayuno turco?
Un buen vaso de té de color rojo hecho en el samovar. Olivas negras gruesas y amargas, pan crujiente y recién salido del horno, rodajas de tomate de la tierra y queso fresco de oveja.
El té es algo esencial en el desayuno, algo imprescindible con lo que comenzar el día, el periodista Celal Özcan utiliza estas palabras: "Çatın buharı pencereye çöker. Kokusu güne siner, şavkı odaya vurur. Çok gerilerde kalmıştır, başlayacak işin zahmeti." Lo que significa: El vapor del té empaña los cristales. Su aroma inspira el día, su brillante color resplandece en la habitación. La preocupación del inminente día de trabajo se queda todavía lejos en el fondo.
Me acuerdo de los desayunos en Bursa. Ojalá se pudiera volver más a menudo allí.
Bueno dice un amigo de Bonn que el carnaval en Bayern es un asco, mmmmm... quizás no le falte razón. Entre los días grandes de estas fiestas se encuentran el jueves pasado (Weiberfastnacht) y ayer lunes (Rosenmontag) importantes en Köln o hoy (Faschingsdienstag); pero cada ciudad o pueblo elige su día clave. Para Würzburg fue el domingo.
Hubo cabalgata (Faschingsumzug) por la mañana con bastante gente disfrazada (mayores y pequeños), incluida la alcaldesa de la ciudad, la señora Pia Beckmann. Lo curioso del asunto no es el hecho de que todos griten "Hellau, hellau" (en Köln dicen "Alaaf"), sino ver como los alemanes pierden la compostura para lanzarse al suelo a por los caramelos, chocolates, muestras de crema, bolsas, etc; que se tiran desde las carrozas. Y es que a lo gratis señores, acude todo el mundo. Pese al señor de al lado que se hubiese llevado hasta mi cabeza a casa, conseguí chocolates, caramelos, un par de muestras de crema Nivea antiarrugas (ya la necesito ;)) y un par de manoplas para el horno (las cuales no puedo usar por estas tierras).
Lamentablemente el domingo no fue un día muy alegre para mí y no estaba para disfraces. Sin embargo, sobre las seis de la tarde cuando quedé con una amiga, pude comprobar que las calles estaban más bien desiertas (en comparación a por la mañana) y aparecían borrachos disfrazados en plena juventud como ocurre en todos sitios en fiestas. Lo de las calles con poca gente, no es raro en la ciudad. Sin embargo, los bares como siempre estaban llenos y más estos días que hacen fiestas en muchos lugares. (Eso sí, mañana miércoles de ceniza cierran bastantes sitios como por ejemplo, el Brauhaus. Es necesario un descanso tras tanta fiesta desenfrenada.)
La razón de que el carnaval sea algo tan celebrado en Alemania es que se junta la tradición romana y griega de hacer fiestas en honor de Dionisio y Saturno al llegar la primavera en las que se cantaba y bebía vino; con la tradición germana de hacer una fiesta a finales del invierno como homenaje a los dioses y expulsión de los demonios. Hay muchas teorías sobre el origen pagano de estas fiestas, que posteriormente los católicos adquirirían como propias. La Iglesia católica a comienzos de la Edad Media le dió el nombre de carnaval que en latín significa carne-levare (abandonar la carne). Posteriormente apareció otra etimología, provenía de la palabra italiana carnevale, que significaba la época durante la que se podía comer carne. Eso es lo que actualmente hacemos en carnaval. ¿Quién comió el jueves (jueves lardero) longaniza? Fue a partir del siglo XVIII cuando se introdujeron las máscaras y los disfraces.
Disfrutad de lo que queda de fiestas, especialmente en Cádiz (con sus chirigotas) o las islas Canarias (con sus reinas), nuestros carnavales más famosos. Lo bueno de estos días es que el ridículo no existe. Todo está permitido incluido burlarse del mundo cotidiano y sus "personajillos". Para los que estéis en Alemania comer algún que otro "Krapfen" que un poco de dulce no le va mal al cuerpo :).
fotos: samimi. El hombre vestido de rojo lleva el disfraz tradicional de carnaval con ese gorrito que imitaba a los de los soldados de Napoleón que ocuparon Alemania a principios del siglo XIX.
NOTA: Hombres que vayáis a Köln en Carnaval atención con la corbata. Las mujeres cortan las corbatas en estas fechas.
Mañana me voy a Praga, pero os dejo un poco de lectura. Como comenté la última vez, nos quedaba hablar un poco sobre la música y las partes que componen una obra de Karagöz.
Música
La música es un elemento importante. Se utilizaban muchos ritmos clásicos turcos como kar, karçe,murabba, beste, semai,sarki, improvisaciones vocales e instrumentales conocidas como gazel y taksim; así como otros géneros köçekçes, tavsancas, canciones folklóricas de Anatolia, con texto en árabe o judeo-español, canciones griegas o armenias, polka, vals o incluso ópera. Había una diferencia a la hora de establecer la música. El público veía los instrumentos utilizados en la música folk, mientras que detrás de la cortina, se ponía música clásica o urbana. El hecho de los distintos estilos musicales e incluso su variedad de lenguas refleja la sociedad otomana de entonces que a su vez era representada en forma de personajes en las obras. Era un arte urbano del que disfrutaba tanto el sultán como el pueblo.
Partes de la obra
La obra consistía en tres partes: la introducción o prólogo (mukadime), diálogo (muhavere) y desenlace (fasil). La obra comienza con un elemento que se denomina "gostermelik", se trata de una figura introductoria que se mantiene un rato en la cortina. Antiguamente en vez de este elemento se realizaba una pequeña obra con personajes de animales antes de la verdadera historia. Cuando suena el nareke, la obra da comienzo y el gostermelik desaparece. En el prólogo Hacivat canta una canción (semai). A través de un pequeño poema el personaje se presenta, normalmente dando gracias a Alá y bendiciendo al sultán y más tarde dice que lo que el público va a ver no es sólo una obra de ficción, sino un espejo de lo que pasa en el mundo diario. Luego dice que le gustaría encontrar un compañero con el que hablar en árabe o persa, conversar sobre ciencias o arte. Recordemos que Hacivat era el personaje culto. Claro Karagöz entra después en escena, y hace como que se aburre de escuchar al sabiondo de Hacivat. Entonces los dos discuten. Comenzará luego el diálogo que tratará sobre una especie de reto entre los dos personajes. Esta parte depende en contenido y longitud de la inspiración del artista. Muchas veces es una discusión en ver quien es mejor, otras veces Karagöz quiere entrar a un sitio en el que no le dejan, y en otras ocasiones los dos se juntan para ayudar a una pareja de jóvenes enamorados cuyo amor rechazan sus padres.
Para terminar podéis ver una obra, la mejor manera de resumir todo lo dicho. Está en turco. También podéis visitar la web de un hombre que se dedica al teatro de sombras,Metin Özlen. O la web de la que extraje la información.
El año pasado fui de reportera a la cabalgata de Reyes, este año no tengo tantas ganas. Sin embargo, como esta noche vendrán los Reyes Magos para aquellos que se hayan portado bien, espero que os contentéis con unas imágenes del enorme belén que se encuentra en la plaza del Pilar de Zaragoza. Por cierto, las plantas son de verdad.
Ayer fue Nikolaustag. Un día importante en Alemania, especialmente para los pequeños, aunque no sea festivo. He hablado ya sobre la historia de Sankt Nikolaus y de su origen anatolio, pero ahora quiero referirme a la forma de celebrarlo. Los niños deben colgar un calcetín en la puerta para que Nikolaus pueda dejarles chocolate y/o golosinas. Nikolaus no trae grandes regalos a diferencia de Papá Noel o Los Reyes Magos para nosotros, sólo trae dulces o pequeños regalos. En caso de que un niño haya sido malo, se dice que Nikolaus le dará con la "Rute", su pequeño látigo ;).
Cantemos un poco:
Lasst uns froh und munter sein
Und uns recht von Herzen freu'n!
Lustig, lustig, trallerallera,
|: Bald ist Nikolausabend da! :|
Bald ist uns're Schule aus,
Dann zieh'n wir vergnügt nach Haus.
Lustig, lustig, . . . . .
Dann stell ich den Teller auf,
Niklaus legt gewiß was drauf,
Lustig, lustig, . . . . .
Steht der Teller auf dem Tisch,
Sing ich nochmals froh und frisch:
Lustig, lustig, . . . . .
Wenn ich schlaf, dann träume ich:
Jetzt bringt Niklaus was für mich.
Lustig, lustig, . . . . .
Wenn ich aufgestanden bin,
Lauf ich schnell zum Teller hin.
Lustig, lustig, . . . . .
Niklaus ist ein guter Mann,
Dem man nicht g'nug danken kann.
Lustig, lustig, . . . . .
El caso es que he debido ser buena chica porque mi vecino japonés me ha subido unos bombones de nada más y nada menos que la chocolatería Eilles. No está mal ;)
NOTA: Gracias Patricia por tu email, me alegra que te agrade el blog.
Bueno hoy he probado algo nuevo, danza escocesa. Es una pena que no pueda ir a las clases porque me coincide con otra cosa, pero lo cierto es que esta noche me lo he pasado genial bailando. Eso sí, cansa bastante. Mi primera pareja que me ha sacado a bailar llevaba kilt, lo podéis comprobar en la foto. Creo que lo que hemos bailado era Céilidh. Dentro de la danza escocesa, hay distintas variantes: Céilidh, Scottish Country dance, Scottish Step dance y Highland dance. El Céilidh, se basa generalmente en formaciones llamadas "sets", cuadrados, rectángulos y últimamente círculos que forman las parejas. Normalmente cuatro parejas, pero puede variar. Lo bonito del baile es que es no sólo se baila en pareja sino también en equipo y siempre con una muestra de cortesía y respeto del hombre hacia la mujer. Es una danza elegante y caballeresca.
Céilidh es un evento especial con música celta y baile. En irlandés y escocés gaélico significa "visita". La música, que es alegre, se basa en el sonido de la flauta, la acordeón, bodhrán (una especie de tambor), una flauta llamada "feadóg stáin" en irlandés y el violín.
Según la web "Scotland in Argentina" En la Highland Dance se requiere de habilidad y buen estado físico, cuanto más joven se comienza su aprendizaje, mejor. Los pasos son más complejos que los del Country Dance y para darles una idea remota de su creación la danza de este tipo más conocida es “El Baile de las Espadas” o Sword Dance como se lo conoce en inglés y su historia data de los tiempos de MacBeth, cuando el rey celta Malcolm Canmore asesina a uno de los principales hombres de MacBeth en batalla cerca de Dunsinane en 1045.
fotos: samimi
Para celebrar la victoria, el rey cruza su espada con la del difunto y comienza a bailar “El baile de las Espadas”, con el tiempo se impuso y se solía bailar antes de cada batalla. Cuenta la leyenda que aquel que pisaba una espada, moría en combate. Se requiere mucha destreza para bailar sin mirar las espadas y sin pisarlas.
La Historia del Country Dance es más compleja ya que los Druidas fueron los primeros en desarrollar algunas figuras que hoy se utilizan en la coreografía de algunos bailes como por ejemplo el Reel of Four. También y gracias a la Reina María de Escocia quien vivió unos años en la Corte Francesa, el baile popular de su época evolucionó y de la mezcla del baile de la corte y lo que la gente del pueblo trataba de imitar, nació el Country Dance. La influencia de la Reina María es importante ya que ella introdujo algunas de las figuras o pasos usados en el Country Dance como el Pas de Basque, Allemande y el Poussette. Así fue como el Country Dance se popularizó en toda Escocia y paulatinamente no sólo fue adquirido por el pueblo sino también por la Nobleza.
Este teatro de sombras se empieza a desarrollar en el siglo XVI bajo el Imperio Otomano y proviene de Egipto, donde a su vez parece haber sido adquirido por los árabes que comerciaban en Java. Anteriormente los turcos ya gustaban de las marionetas como muchos pueblos de Asia Central. De forma que el Karagöz es la suma de una evolución histórica en el teatro de sombras y de aspectos culturales otomanos. Es a partir del siglo XVII cuando aparece por primera vez la palabra Karagöz como tal. Las marionetas (kukla) anteriores al siglo XIX sólo se conocen por los dibujos de las miniaturas, desgraciademente no se conserva ninguna.
El escenario se separa del público por una lámina blanca de material translúcido, generalmente algodón. Antiguamente tenía unas dimensiones de 2m x 2.5m, pero luego se redujeron a 1m x 1.6m. El artista mueve las marionetas detrás y sujeta una lámpara de aceite que sirve de iluminación y debe estar fija. A diferencia de las marionetas de Java o de otro países del suresteasiático, las marionetas turcas tienen los hilos horizontales. Debido a esto, existen dos objetos el "hayal agaci" y el "firdondu" que sirven de ayuda. El artista sólo puede usar dos marionetas a la vez, si una escena requiere de más personajes utiliza el primer objeto que tiene unos hilos en forma de Y, se sujeta en la pantalla mediante la presión del estómago o la barbilla del artista y permite que ese tercer personaje esté vertical en la escena. El segundo objeto permite que las figuras se den la vuelta para mirar hacia el otro lado, algo que los hilos horizontales no dejan.
¿Cómo son las figuras y qué representan?
Las figuras son planas y de colores. Se usa mucho la piel de animales para confeccionar las marionetas, especialmente la del camello. Esta piel es previamente secada durante los meses de Julio y Agosto al sol. Es tratada hasta que está casi transparente y con un cristal se quitan los pelos que pudiese tener. Se barniza. El contorno de la figura se realiza con un cuchillo que se denomina "nevregan". Una vez dibujada se pinta con tintes vegetales azul, morado, verde oliva, verde hoja, rojo, terracota, marrón y amarillo. Se juntan las piezas.
La acción de las figuras determina su forma. Todas tienen un agujero en la parte superior del cuerpo por donde irá el hilo. Un hilo va de la cabeza al cuerpo y constituye para muchas marionetas su única articulación. Es decir, por debajo del cuello sería una pieza entera. Tienen una altura que va de los 24 centrímetros a los 36, dependiendo del personaje.
Los personajes son muchas veces propios de cada región como Baba Himmet que se representa como un leñador en Anatolia, un judío que se encarga siempre de prestar dinero o trabaja con cosas de segunda mano, Laz es un marinero del Mar Negro; al igual que el idioma empleado para la representación. Es decir, lo importante es caricaturizar al personaje para lo que se usa vocabulario propio de la región, interjecciones, preguntas y se deja de lado muchas veces la gramática.
Pero existen una serie de personajes muy frecuentes:
Karagöz y Hacivat
Karagöz se supone que es un gitano, tiene la cara redonda y unas grandes pupilas negras puesto que su nombre significa el "Ojo Negro". Tiene barba y es calvo aunque lleva un gran turbante que a veces se le cae provocando las risas de los espectadores al ver su cabeza desnuda. Utiliza el lenguaje del pueblo, es impulsivo y su carácter se refleja en su forma de hablar y en su comportamiento. Frente a esa aparente estupidez de Karagöz, está Hacivat. Él habla con un lenguaje más distinguido y es entendido en música, sabe sobre jardinería, extractos de la enciclopedia y se comporta como si fuese de la aristocracia. Sin embargo, es todo algo superficial porque realmente no tiene trabajo. Cada movimiento de Hacivat está controlado y tiende a ser conservador, mientras que Karagöz prueba nuevas ideas. Son el punto y la i.
Mujer
Puede ser joven, de edad media o mayor, pero siempre chismosa y creadora de intrigas que crean escándalos en el vecindario. La mujer de Karagöz se queja de que no la alimenta ni la viste como debería. Las mujeres visten una especie de abrigo largo y suelto llamado ferace, dos finas muselinas que le tapa una la boca y la otra llega hasta debajo de los ojos y cuelga (un velo muy fino llamado yasmak). Llevan un gorro azul, babuchas de piel y un paraguas. Las cortesanas llevan los pechos al descubierto o medio descubierto.
Celebi
Es un joven enamorado de alguna chica o cortesana. Un conquistador. Es rico y viste con ropa occidental. Habla con un acento puro de Estambul evitando decir palabras árabes.
Tiryaki
Es el adicto al opio. Siempre con su pipa en mano y fumando. Habla educadamente pero frecuentemente se duerme en medio de una conversación y ronca.
Bebe Ruhi
Hace las mismas preguntas una y otra vez cansando a los demás. Pronuncia la r y la s como una y.
Hablaremos sobre la música y las partes que componen una obra de Karagöz otro día. De todos modos sólo he hecho un extracto y una traducción de lo que tan bien explicado está en la web de Karagöz
En Turquía como en muchos otros países desde el norte de África hasta la India, la henna está presente en los acontecimientos importantes de la vida, en la fiesta del sacrificio del cordero (Kurban Bayramı), cuando un hijo va hacer el servicio militar y, sobretodo en una boda.
La boda suele empezar un viernes con la noche de la henna. Una bandera anuncia la ceremonia en la casa. La familia del novio pone la henna, pero la celebración tiene lugar en casa de la novia, donde dependiendo del nivel adquisitivo, habrá músicos y bailarines además de los invitados y ricos dulces y platos. La novia será pintada con henna que ha tenido que ser preparada previamente por una mujer con una vida familiar feliz. Para lo cual la sala se ilumina con la luz de las velas. La henna es un signo de pureza, de alegría y de suerte.
La novia vestida de terciopelo burdeos o verde, depende de la zona, con un velo de ricos bordados, llora junto con su madre mientras los familiares cantan emocionadas canciones. "Yüksek yüksek tepelere ev kurmasınlar". Lo que supone una despedida para la novia de su casa y su familia, y un cambio a una nueva vida. Ese vestido será un importante legado familiar, ya que se pasa de madres a hijas para esa ocasión especial.
La novia con las manos cerradas no las abre hasta que su futura suegra no pone una moneda de oro en ellas. Esa moneda y un poco de henna se dejan en su palma y son muestra de la aceptación del matrimonio. Se pinta toda la mano, se ata con lana de oveja y se cubre con un guante, de manera que al retirarla después toda la mano tiene henna salvo el hueco en el que estaba la moneda. Se hace lo mismo con los pies. Se consideraba que la henna con tonalidad roja o naranja daba mejor suerte que si quedaba muy oscura. A partir de ahí comienza el baile que dura toda la noche. El novio también se pinta a veces el dedo con henna. Al día siguiente, día de la boda, la moneda se la ofrece la novia al novio en un pañuelo y éste la guarda como símbolo de fortuna.
Si la novia tiene un actuación tan importante en una boda que tradicionalmente podía durar una semana, el novio no es para menos. Debe ir al barbero con sus familiares, y le afeitarán primero al son de plegarias y luego al de tambores y flautas.
Bueno creo que alguno de vosotros sabéis que me ha llegado un paquete de Uzbekistán. Del mismísimo Tashkent, ha venido mi precioso suzani. Un regalo por adelantado al día de hoy.
Los suzani son telas de algodón o lana tejidas a mano con diseños en seda. Se caracterizan por sus vivos colores. Utilizadas por los pueblos del centro de Asia, especialmente en Uzbekistán, Kazajstán o Tayikistán, pero también se pueden encontrar en algunas regiones de Anatolia. Su nombre proviene de una palabra persa, "sozan", que significa aguja.
Al igual que comentábamos sobre las alfombras, los suzani eran una forma de expresión para las mujeres y marcaban su vida, ya que los realizaban para momentos importantes de la vida que tuvieran que ver con alguna celebración. Obras de arte que se crean para la dote de la novia, para embellecer las habitaciones de invitados, para jinetes y caballos... Tan pronto como una hija nace en la familia la madre empieza a coser un suzani.
El suzani adquirido en cuestión, proviene de la región de Surkhandarya en la frontera de Uzbekistán con Afganistán. Tiene unos 25 años, pero la verdad es que está en muy buen estado.
Son utilizados como colchas, tapices, alfombras o manteles dependiendo del tamaño y la forma. Las casas uzbekas como muchas otras islámicas, tenían una simple fachada que daba a la calle. Sin embargo, por dentro está tan decorada como se pueda permitir la familia. Los ricos pueden permitirse tener un jardín, pero todos tienen el interior decorado con suzanis de dibujos florales que alegran la casa.
Los tradicionales suzani hechos enteramente a mano tardaban en hacerse 18 meses. Con una tela de algodón generalmente como base, se pintaba el dibujo con tinta negra a mano alzada. Una vez acabado el diseño, se comenzaba a tejer con seda. Varias mujeres podían participar en esta tarea, creando los distintos dibujos y al acabar se cosía todo junto. No siempre encajaba todo perfecto. Un buen suzani se distingue por la finura de la confección y por la elección de los colores que debían dar un acabado brillante. Variando la dirección de la aguja, el grosor del hilo y los colores, las mujeres consiguen darle profundidad y textura a sus suzani.
Las flores y las hojas son los principales motivos, representando la relación del pueblo con la agricultura. Algunas flores, el perejil y las granadas son símbolos de fertilidad. Motivos como los pimientos, lámparas y los cuchillos típicos de Asia Central son símbolos protectores. De todos modos, muchas veces los diseños son abstractos y es el conjunto el que tiene un valor, generalmente, de felicidad y salud para la nueva pareja.
Desde luego el juego nacional de Turquía es el backgammon. Abuelos y jóvenes lo practican en cuanto tienen un tiempo libre. Sería como en nuestra tierra el guiñote, o quizás el mus.
Por ejemplo, después de comer los abuelos se van al bar a jugar una partida al guiñote, tomarse un cortado y algunos fumarse un puro o faria. Bien. La imagen turca sería una partida de backgammon, beber un çay (té) o un kahve (café turco) y fumar un cigarrillo. Las distancias no son tan grandes.
foto: samimi. Backgammon en Capadocia.
El guiñote es un juego de cartas que utiliza lo que aquí denominamos baraja española (cartas que tienen cuatro palos: bastos, oros, copas y espadas). Se puede jugar en solitario o en parejas, generalmente se prefiere en parejas puesto que el juego requiere así de más estrategia y es más entretenido. Se reparten seis cartas a cada persona y las demás se dejan en un montón para robar, con una abajo descubierta que indica el palo ganador.
foto: samimi. Por la izquierda as de oros, tres de bastos, rey de copas. Abajo, caballo de espadas y sota de oros.
El del al lado del que ha repartido comienza a tirar una carta y los otros jugadores pueden matar o no según les convenga. El palo ganador supera al resto de palos. Dentro de un mismo palo, la puntuación máxima la tiene un as (11 puntos), un tres (10 puntos), un rey (4 puntos), una sota (3 puntos) y un caballo (2 puntos). No se juega con la carta del 10, ni la del 9, ni la del 8.
Si juntas en tus manos un rey y una sota del mismo palo, puedes "cantar". Cantarás las 20 (20 puntos más a la puntuación final) o las 40 si el palo es el palo ganador (40 puntos). Después de cada baza, es decir, de que cada uno haya echado una carta y alguien haya ganado y se lleve las cartas, todo el mundo debe "robar" coger una carta del montón. Primero el que se haya llevado las cartas y luego el de su derecha siguiendo el círculo.
Cuando el montón de cartas se acaba, se llega a la etapa del arrastre. Donde hay que echar el palo que siga la primera carta tirada en esa baza y sino se tiene que matar forzosamente. Por ejemplo, si el primer jugador tira un siete de oros aunque yo tenga un siete de copas (palo ganador) que mataría al anterior, si también tengo un dos de oros, debo tirar el dos de oros, aunque signifique perder. El que se lleve la última baza, gana las diez últimas. A su puntuación final le suma 10 puntos y en la próxima partida le tocará dar o repartir las cartas.
Terminadas todas las cartas se suman los puntos, da igual el palo, sólo el as, el tres, el rey, la sota y el caballo tienen valor. Lo demás no vale nada. Si se ha cantado o se han ganado las 10 últimas se suman los respectivos puntos. Para ganar la partida se tienen que hacer 51 cartas buenas o más. Esto significa realmente hacer 101 puntos o más. Porque al contar primero se cuentan los primeros 50 puntos que son cartas malas, por así decirlo, y a partir de ahí el resto de puntos son cartas buenas. Si los consigues, "te has ido", es decir, has ganado.
Si en la partida nadie ha conseguido tantos puntos, se comienza otra en la que se tienen en cuenta los puntos de la partida anterior. Es decir, si en una primera partida un jugador tiene 45 cartas buenas y en la segunda le reparten el as del palo ganador en esa segunda partida, lo echa y ya ha ganado. La partida se acaba, porque 45+11(valor del as)=56 buenas.
No sé si me he explicado bien o no. En caso de que no me hayáis entendido, lo mejor es preguntar a algún abuelo, es el mejor maestro que uno puede tener. Jugar en pareja, requiere práctica y compenetración con ella.
En cuanto al backgammon se trata de un juego de tablero, extendido en todo el mundo que cuenta con muchas variantes. Sólo pueden jugar dos jugadores. Su origen se asocia a Mesopotamia, pero también a Egipto. Los griegos jugaban a un backgammon parecido aunque se dice que fue en Persia donde fue inventada la forma actual del juego por Ard-shir Babakan. Las doce divisiones del juego correspondía a los meses solares del año persa. La mitad era negro la mitad blanco, lo que simbolizaba que la mitad del año las noches eran oscuras y la otra mitad las noches estaban iluminadas por la luz de la luna. Los nombres de los siete picos eran Kad (cantidad), Ziyad (crecimiento), Satarah (fortuna, cortina o velo, o estrella), Hazaran (miles), Khanah-gir (dueño de la casa o la habitación), Tawil (alto, o largo), y Alansubah (esquema, plan o juego).
En Turquía, existen unas variantes autóctonas, el Gioul, Moultezim, Shesh Besh o Tawula.
Realizado en madera y pintado o de concha y perla, algunos backgammon son obras de arte.
Se trata de un juego con mucha estrategia. Los turcos juegan a una velocidad pasmosa y además tiran el dado y mueven las fichas con gran energía ;). Por supuesto, mientras unos juegan, otros los rodean y observan la partida.
Pues nada, si queréis seguir la tradición aprender a jugar a uno de estos juegos o coger práctica. De hecho al comenzar la Universidad ya te regalan una baraja de cartas, así que no hay excusas. De aquí a un campeonato. ;)
Una vez practicado el guiñote con mis abuelos, voy a empezar a jugar al backgammon, ya tengo tablero. (foto de arriba: tablero de samimi. No muy bonito, ya lo sé, pero para empezar vale.)
La Naturaleza es la fuente de los colores. Los árboles, las flores, las plantas de las viñas y jardines, como asimismo algunos tipos de tierra (especialmente los que tienen óxido de hierro) presentan increíbles colores naturales. Durante el período Selyúcida y Otomano, además de la producción de tintes y la metodología para obtener diferentes colores, el insecto "cochinilla", el añil y plantas que contenían pigmentos similares fueron exportados en barcos a Europa desde Anatolia. Del mismo modo el cultivo de estas especies fue controlado en las tierras otomanas. En el siglo XVI caravanas cargadas de hilos de seda llegaban a Bursa desde distintos países. El espino cerval, llamado el árbol de oro, era una fuente de tinte natural muy popular y preciosa.
A partir de 1882, los tintes químicos con la ayuda del colorante anilina, empezaron a sustituir a los tintes naturales. Los pueblos nómadas-turcomanos permitieron salvar la extinción de los métodos tradicionales.
El grado de madurez de la planta que se usa, la temperatura del hervor, la dosis del pigmento y la composición del agua afecta al tono que se quiere obtener. La producción de agnus-castus, hoja de tilo, flor de acacia, granada, dragón, menta silvestre, hoja de melocotón, azafrán, rosa silvestre; puede lograr bonitos tonos de colores.
Confección de las alfombras
El perfil de un telar de alfombras se parece mucho a un marco de madera. Las cuerdas de la urdimbre se deparan verticalmente en el telar en paralelo, según el tipo y tamaño de la alfombra. Después de preparar la urdimbre, dejando un margen para los flecos se hacen puntos de cadena con una trenza, que se llama "chiti" y luego se tejen de 2-4 cm de ancho para evitar que caigan los nudos de la alfombra. Una vez terminado ésto, la alfombra está preparada para ser tejida. La tejedora cuelga los ovillos de hilos de colores por nudos, y dibuja el diseño de la alfombra en un cartón que colora en un sitio cercano a ella.
Se usan papeles milimétricos de acuerdo a la densidad de los nudos, y al tipo de alfombra. En los modelos simétricos y composiciones con medallón, un cuarto de la alfombra se dibuja en papel cuadriculado, en cambio en los diseños de mihrab (nicho) es la mitad de la alfombra. Cada nudo en la alfombra es equivalente a un cuadro del papel milimétrico que es tejido en el mismo color. Sentada en un taburete pequeño que se conoce como "istol o iskele", la tejedora inicia el tejido desde abajo a arriba. Mientras dura el proceso, la alfombra se corre detrás del telar. Una vez acabada una fila de nudos, se pasa el hilo en forma horizontal ("trama"), entre las cuerdas de las urdimbres, a lo ancho de la alfombra, presionando firmemente los nudos con un palo. Con una tijera especial se cortan los extremos de los nudos, los cuales fueron cortados con una navaja después de ser anudados uno por uno, para que sean de la misma longitud según la superficie de la alfombra.
En el tejido de alfombras se usa también el nudo persa (nudo único, Sine), además del nudo turco (Gördes). El sistema de nudo persa facilita trabajar los detalles, mientras que el de nudo turco proporciona resistencia. Cuando se concluye la alfombra se realiza un nuevo tejido de kilim para poder fijar bien los nudos. Finalmente, se hace el punto de cadena y cortando por la parte de la urdimbre se quita la alfombra del telar. Luego es lavada con agua y jabón para eliminar los polvos y suciedades adquiridas durante el período de tejido y está lista para usarse.
Material de las alfombras
Principalmente las alfombras turcas son de lana como las de Yağcıbedir, Milas, Döşemealtı, Sındırgı, Yahyalı, Taşpinar, Kars, Niğde Kars, Yuntdağ Kozak, Şirvan, Başmakçi, Konya Kazak, Sultanhan, Kula y por supuesto las nómadas (yörük).
También hay alfombras hechas de lana y algodón, muy destacables las de Kayseri, Konya Ladik y Hereke. Los diseños de las alfombras de Kayseri son de origen selyúcida y adornaron muchos palacios. Según Marco Polo las alfombras más bonitas del mundo las había visto en Konya, Kayseri y Sivas. Las alfombras de Konya suelen tener un diseño de medallón central y flores.
Por su parte, las alfombras Hereke tejidas en la costa del Mármara son las alfombras de palacio. De hecho en 1891 los sultanes otomanos establecieron talleres en esa región para producir alfombras sólo para palacio. Las flores naturales y los ramos de flores son diseños indispensables en estas alfombras. Por ejemplo, el símbolo de las flores de siete montañas, es un diseño dedicado a Estambul, ciudad establecida sobre siete colinas, simbolizando la flor de estas siete colinas. El tulipán, es símbolo del amor y la paz. Representa un período de la historia otomana, denominado así. La almendra denota dualidad y procede del Lejano Oriente, representa la noche y el día, lo masculino y lo femenino.
Las alfombras Hereke no son sólo tejidas en lana y algodón, sino en seda proveniente de la ciudad de Bursa, al igual que en Kayseri donde también se trabaja en este material. Las alfombras de Hereke de seda tienen unos 100 nudos por centímetro cuadrado y son de gran calidad y valor. La trama, urdimbre y los nudos son totalmente de seda pura, y están decoradas con diseños de rosas, tulipanes y hermosas flores de la naturaleza.
El gusano de seda fue traído a Anatolia por dos monjes que lo ocultaron en un bastón de caña. Estos monjes habían sido enviados a China por el emperador Justiniano para investigar sobre la seda. Así se empezó a producir en Estambul, Genlik, Mudanya y Bursa, quedando está última ciudad como centro importante en la producción de dicho material. La obtención de la seda para tejer supone un trabajo extra y denso, producir el gusano, sacar la seda del capullo, producir el hilo de seda, teñir los hilos y dibujar el diseño. Todo esto hizo que los telares de seda fueran minoritarios y que los clientes de estas alfombras fueran personajes ricos e influyentes.
Fuente: "Alfombras turcas - El idioma de los dibujos y símbolos", Mehmet Ateş
"Hoy el viento trae aromas a tierra, campos y recuerdos. Las imágenes y las sensaciones se agolpan, recorren mi piel y alzan mi vello. Vuelvo a respirar aquella generosidad inagotable, casi rozo vuestros trabajados surcos en frentes ya despobladas, y vuestras sonrisas, que son orgullo de padre, y de padre de padre. Hoy vuestros azulados vidrios se reflejan en los míos, y sus miradas, cansadas se deslizan por mis mejillas. Y creo oír ladridos, cencerros, más cerca cacareos. Mientras, en el armario, aguardan sedientos de amaneceres domingueros las cañas y los anzuelos.
Dibujo círculos con la harina que cae del pan recién traído del horno en su capazo. Los vasos están repletos de natillas y la penumbra inunda el rellano. Una mesa y seis cubiertos; rancho, migas, ternasco, arroz y caracoles, horas de cocina. Un delantal de cuadros, alpargatas y luto. Las gafas de pasta tiemblan al son del traqueteo de una vieja lavadora. La cinta de Machín, una imagen de San Antonio y aquella jota olvidada en la funda de la bandurria. Varios sillones de rojo tapizado. Esperando.
Un puente se tiende entre el pantano de San Bartolomé y la desembocadura del río Huerva. Sobre él, millones de luciérnagas se funden con el añil del firmamento.¡Vuelve cierzo!¡No te lleves contigo a mis abuelos!¡Devuélveme al menos el rumor de sus recuerdos!"
Autor: Alejandro Cortés.
Obra: La Charrada, Reflexiones sobre el vocabulario aragonés.
Foto: samimi
El lunes acabaron las fiestas, otro año más que pasa y yo sin ir a verlas. Tenía unos vecinos de Elda y de ahí que hable de sus moros y cristianos. En otras localidades de la Comunidad Valenciana y Murcia también se celebran, pero es especialmente destacable en la región alicantina(las de Alcoy son fiesta de interés turístico internacional).
Las fiestas de Moros y Cristianos se celebran en honor a San Antón el primer fin de semana de junio (31 de mayo al 4 de junio este año). Realmente San Antón es a mediados de enero, pero las fiestas se cambiaron en 1946 para impedir que el frío estropease un acontecimiento que se vive en la calle. Por eso en enero se celebra lo que se denomina la media fiesta en la que desfilan las escuadras premiadas en cada comparsa.
Existen cuatro comparsas en el bando moro: huestes del Cadí, marroquíes, musulmanes y realistas; y cinco en el bando cristiano: contrabandistas, cristianos, estudiantes, piratas y zíngaros. El bando cristiano es el encargado de encabezar el desfile del sábado, llamado entrada cristiana, y el bando moro encabeza la entrada mora del domingo.
Las fiestas consisten en desfiles, comidas en los llamados "cuartelillos" de cada comparsa, procesiones y música. Toda Elda participa y por unos días sus calles se convierten en escenario de novela histórica. Cada año un traje más espectacular, que en la mayoría de los casos se alquila para la ocasión. Respecto a los orígenes de las fiestas, algo inciertos, se aceptan distintas teorías que os invito a leer aquí.Cada comparsa tiene así mismo sus propias canciones, marchas o pasodobles contribuyendo así al enriquecimiento de las fiestas y de la tradición.
fotos:Comparsa Marroquíes de Alejandro Vidal (izquierda) y Comparsa Musulmanes de José Manuel Alarcón (derecha).
Cada alfombra, con sus dibujos, se parece a una colección de mensajes, creencias y símbolos. Son cuadros de deseos, donde todas las esperanzas fueron encerradas. Cada diseño tejido en la alfombra es la pintura de un sentimiento, de un deseo o de una expectación. La alfombra es una historia viva en la cual, desde las épocas primitivas hasta el presente, las mujeres escriben con paciencia incansable sobre sus desgracias y alegrías; cifras mágicas; cartas embrujadoras para que sean leídas línea por línea.
Como el amarillo narciso y Ovidio que simbolizan el amor desesperado, el pueblo de Anatolia continua extrayendo numerosos sentidos de las flores y también expresando sus sentimientos cotidianos con ellas. Un chica desposada preparando su matrimonio, expresa su felicidad y su amor con el diseño de un jacinto rosado en el amor desesperado y el blanco del clavel expresan el amor y la paz; el trébol y la violeta señalan a la fecundidad y el paraíso y todos estos símbolos llegan a ser el idioma de la joven.
Estas obras maestras son decoradas con todos los colores de la naturaleza, con bordados y dibujos que han emigrado durante siglos de un país a otro, de un distrito a otro, sometiéndose a una interacción con las culturas locales. Se puede observar con asombro como los dibujos en las alfombras turcas se parecen a los diseños originarios de Anatolia de los años 3000 a.C, al mismo tiempo en la cerámica y alfarería de Selçuk podemos apreciar diseños muy parecidos a los dibujos en las alfombras de Pazyryk.
La alfombra turca en Europa
El arte de las alfombras fue desarrollado en el período de los Selyúcidas extendiéndose en Persia y Anatolia, siguiendo una evolución a través de varias etapas. A partir del siglo XII, las alfombras de calidad superior son tejidas en ciertas regiones de Anatolia, conformando un accesorio dominante que llena las casas, mercados y los palacios hasta extenderse a Europa. Estas alfombras anatolias aparecen en las pinturas europeas a partir del siglo XIV. Las alfombras del siglo XIV y XV poseían en su mayoría colores como el rojo, azul, amarillo y crema, que comenzaron a aparecer frecuentemente en las obras de pintores del Renacimiento, como Gentile. Giovanni, Bellini, Capaccio...
Para los príncipes europeos, las alfombras eran señales de bien estar y riqueza. Los diseños más comunes en este siglo eran medallón, lámpara y escritura cúfica. Luego se iniciaron decoraciones con dibujos de flores, hojas, flores de granados, chapas, octógonos, y figuras de diamantes.
Las alfombras de Uşak y Bergama, centros importantes de la tejeduría anatólica en el siglo XVI, son interesantes artículos que decoran los museos europeos. En la exposición universal en 1876 en París, a la cual asistieron reyes y emperadores, Turquía recibió premios por sus alfombras de seda, al mismo tiempo aumentó el interés y demanda de éstas en Europa a finales del siglo XIX. La escasez de telares en Anatolia ha provocado el auge de las alfombras persas y de Lejano Oriente.
Origen nómada
La alfombra es una invención de los nómadas, la ponía en el suelo para protegerse del frío cuando armaban las tiendas. Fue fruto de la evolución de las pieles, las cuales se perdían y gastaban fácilmente. Se requería algo más suave, grueso, resistente y caluroso que se pudiera utilizar como colchón y colcha. El kilim se usaba para poner en el suelo, pero no evitaba el frío y la humedad de la tierra, por eso lo usaban sobre la cuna de los niños para hacer sombra o lo colgaban en la tienda como separador.
Pequeño bazar de alfombras, Istanbul. fotógrafa: samimi
Priscus, miembro de la delegación enviada por Bizancio a Atila, el emperador de los Hunos, escribió que había una alfombra en el suelo, puesta delante de su asiento y su cama fue separada del salón de fiestas por un lino bordado. Las primeras alfombras fueron tejidas con nudos de lana sobre urdimbres también de lana. Al principio había que dejar las puntas de los nudos sin cortar. Así, podía obtenerse una superficie larga, densa y gruesa, la cual protegía del frío en áreas donde el invierno era muy crudo. La nueva técnica desarrollada a partir de la técnica del kilim, atando nudos sobre urdimbres dobles evoluciona hasta las alfombras que conocemos hoy en día.
Para el nómada lo más importante es la durabilidad de los artículos, por ello el sistema de nudo único no fue muy popular y desarrollaron la técnica del doble nudo (nudo de Gördes) mucho más resistente.
Hoy hay más de 400 pueblos y áreas de asentamientos con nombres tribales. Debido al largo período requerido para el tejido y la dificultad para mudar los telares, los nómadas no podían tejer alfombras de gran tamaño. Sólo podían producirlas de diferentes tamaños cuando se habían arraigado en un sitio, usando los dibujos y colores tradicionales. Esto ayuda a conocer el tipo de alfombra y el lugar donde fue tejida.
Actualmente en Turquía existen unos 300.000 telares divididos en las distintas regiones y cuyas alfombras tienen características propias. Se realizan con lana de oveja. La calidad, la flexibilidad y la durabilidad de la lana depende tanto de la propia naturaleza de la lana como del hilado. Sólo puede obtenerse brillantez a partir de una oveja bien alimentada. Si la lana es de cordero en vez de oveja, su calidad será menor. La mejor lana es la de las ovejas maduras, en la primavera. Antes de cortar la lana se hace pasar al rebaño a través del río, con lo cual las ovejas son bañadas una por una con agua pura y jabón. El jabón no daña la sustancia brillante del pelo de la lana, al contrario la ayuda a lucir más y le proporciona mayor blancura.
Fuente: "Alfombras turcas - El idioma de los dibujos y símbolos", Mehmet Ateş
Preguntas que se me ocurren: ¿Tienes una alfombra turca o un kilim turco en casa? ¿Alguna alfombra de otro país: Irán, Túnez, Egipto...? Indícalo. Es curiosidad, no me paga nadie por hacer publicidad ;)
Si hay algo que acostumbramos a hacer en todos los países del Mediterráneo, es ir a tomar café. Cualquier excusa sirve como pretexto para ello, desde reencontrase con un viejo amigo, pasando por rellenar una hora libre o hacer una pausa en el aburrido día de trabajo (véase la serie de televisión "Cámara Café"). Las conversaciones que rodean a este marronáceo brebaje pueden ser bien diferentes yendo desde las más superficiales e insignificantes hasta las más profundas reflexiones. Ya se ha rodado una película sobre este tema "Coffee and Cigarettes". Los cafés han sido lugares donde no sólo el pueblo se reunía, sino donde escritores, artistas o periodistas encontraban su inspiración e incluso centros de tertulias políticas como el Café de Foy en Paris, el Café de Levante, el Café Universal y el Imperial en Madrid o el Caffé Pedrocchi en Padua.
